EL CONFESIONARIO

Por Ray Zubiri

¿Quién dijo que el circo y el teatro no podían contar una misma historia? ¿Quién decidió que para sorprender a las familias era necesario recurrir a los animales o a los viejos recursos de las carpas tradicionales? Paquín Jr. y Angelo tienen una respuesta contundente: el verdadero espectáculo está en la imaginación, el talento, el asombro y, sobre todo, en la capacidad de hacer reír y emocionar al público. Así llega a Puebla Vie de Cirque, una propuesta internacional que apuesta por recuperar la magia del payaso y acercar a las nuevas generaciones al arte escénico.

Con más de 20 artistas de México, Colombia, Italia, Portugal y España, esta producción reúne acrobacia, música, danza, teatro y humor blanco en una experiencia diseñada para disfrutarse en familia. Detrás de este proyecto se encuentran Paquín Jr., responsable de la dirección general, y Angelo, creador de la idea original, quienes han encontrado en el circo una oportunidad para demostrar que el entretenimiento también puede convertirse en una experiencia artística capaz de despertar emociones.

Vie de Cirque nació en 2018, de la inquietud de Angelo y Paquín Jr. por desarrollar un concepto inspirado en la dinámica de los circos europeos, donde las distintas disciplinas artísticas se integran para contar una historia. Su propuesta también rompe con algunos prejuicios alrededor del circo tradicional, pues demuestra que es posible construir un espectáculo sin animales, sin malas palabras y sin recurrir al doble sentido, conservando intacta la capacidad de sorprender.

¿Qué hace que un espectáculo permanezca en la memoria de las personas? Para Paquín Jr., la respuesta está en la sensibilidad. Durante nuestra charla, compartió que el ingrediente mágico de su propuesta es lograr conectar emocionalmente con los espectadores y, como él mismo lo expresó, “tocar los corazones de las personas”.

Angelo, por su parte, identifica el asombro como el elemento que distingue su trabajo. Considera que durante mucho tiempo se pensó equivocadamente que el teatro y el circo eran disciplinas opuestas, cuando en realidad pueden complementarse para construir historias extraordinarias. “Creían que el circo y el teatro estaban peleados, es muy equivocado ese pensamiento, porque se puede contar una historia de muy buena forma con el arte del asombro”, explicó.

En esta búsqueda por recuperar la esencia del payaso, también conversamos sobre los personajes clásicos que han acompañado a generaciones enteras. Angelo hizo referencia al payaso cara blanca, una figura fundamental dentro de la tradición circense, a quien describió como una especie de autoridad dentro de la familia de payasos, aunque también puede convertirse en protagonista de situaciones cómicas. Su interpretación, explicó, busca adaptarse a nuestra cultura y a la manera en que el público mexicano entiende y disfruta el humor.

Su propia historia familiar refleja esa mezcla de culturas: aunque nació en Chile, su madre tiene origen colombiano y su padre nació en Veracruz. Una combinación que también se refleja en su manera de entender el arte y llevarlo al escenario, adaptando las tradiciones del clown a nuestra identidad.

Pero ¿qué sucede cuando el circo se enfrenta a las nuevas tecnologías? Lejos de considerarlas una amenaza, Angelo explicó que forman parte de sus herramientas de trabajo, tanto para promocionar sus producciones como para mejorar la experiencia del público. Los avances en sonido e iluminación les permiten ofrecer montajes con mayor calidad técnica, sin perder de vista que el verdadero protagonista sigue siendo el artista y su capacidad de conectar con la audiencia.

Uno de los momentos centrales de esta propuesta es Se Busca Payaso, una historia que parte de una situación tan sencilla como divertida: un circo necesita contratar a un nuevo integrante para su elenco y organiza una serie de audiciones para encontrar al candidato ideal. El público se convierte en cómplice de esta búsqueda mientras el aspirante enfrenta pruebas de destreza, magia y acrobacia para demostrar que tiene el talento, la personalidad y, sobre todo, el alma de un verdadero artista.

La historia se desarrolla a través de situaciones inesperadas y momentos imposibles que combinan habilidad física, comedia y sorpresa. Es una invitación a descubrir que detrás de la nariz roja, el maquillaje y los tropiezos existe una disciplina artística que requiere preparación, creatividad y una enorme sensibilidad.

Para Paquín Jr. y Angelo, regresar a Puebla tiene un significado especial. Esta ciudad se ha convertido en una de las plazas más importantes de su trayectoria, pues se han presentado en cinco ocasiones. Sin embargo, saben que el público también evoluciona y que no basta con regresar para repetir una fórmula que ya conocen.

Y hablando de experiencias familiares, vale la pena destacar que este tipo de espectáculos también nos recuerda la importancia de acercar a niñas, niños y jóvenes a las artes escénicas. En tiempos en los que las pantallas ocupan buena parte de nuestra atención, sentarse frente a un escenario, compartir una carcajada y maravillarse con las habilidades de un artista representa una oportunidad para recuperar la convivencia y el disfrute colectivo.

Al final, lo que Paquín Jr. y Angelo ponen sobre la mesa es una reflexión que vale la pena compartir: el circo no necesita animales para ser extraordinario, ni el teatro tiene que ser solemne para transmitir un mensaje. La imaginación puede unir disciplinas, derribar prejuicios y construir momentos que permanezcan en la memoria de una familia.

Porque si algo nos enseña Vie de Cirque es que el asombro no tiene edad y que reír también es una forma de encontrarnos con los demás. Quizá por eso seguimos necesitando payasos, acróbatas, músicos y artistas que nos recuerden que, aunque la vida cotidiana tenga suficientes tropiezos, siempre habrá un escenario dispuesto a convertirlos en carcajadas.

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El Confesionario

Por Ray Zubiri

Con humor, romance, boxeo y libros, el cineasta mexicano apuesta por una mirada distinta sobre la migración en Campeón Gabacho, una película que convierte los golpes de la vida en una historia de resistencia, esperanza y comunidad. En una charla que tuve con el cineasta, nos habla de Liborio, de la importancia de la educación y de por qué nadie debería pelear solo.

Hay historias que comienzan con un sueño y otras que comienzan con un golpe. La de Jonás Cuarón tiene algo de ambas. Hijo del reconocido cineasta Alfonso Cuarón, Jonás ha construido su propio camino detrás de las cámaras, demostrando que el talento puede heredarse, pero la identidad artística se conquista.

Nacido en 1981 en la Ciudad de México, es director, guionista y editor. Estudió en Vassar College, en Nueva York, y debutó en el cine con Año Uña (2007), proyecto en el que asumió las funciones de dirección, escritura y edición. Posteriormente colaboró con su padre en el guion de Gravity (2013), producción que obtuvo reconocimiento internacional y llevó a Alfonso Cuarón a ganar el Óscar como Mejor Director. En 2015 presentó Desierto, protagonizada por Gael García Bernal y Jeffrey Dean Morgan, una película que abordó la migración en un contexto de tensiones políticas entre México y Estados Unidos.

Ahora, Jonás vuelve a poner sobre la mesa este tema con Campeón Gabacho, una historia que se aleja de los discursos convencionales para recordarnos que detrás de cada persona migrante existe una vida, una personalidad, sueños, amores y una enorme capacidad para levantarse.

Y es precisamente ahí donde comienza nuestra conversación. Porque si algo tiene esta película es que no pretende que miremos a los migrantes desde la distancia, sino que nos metamos en sus zapatos, conozcamos sus emociones y entendamos que, antes que una estadística, son seres humanos.

En Campeón Gabacho, Jonás Cuarón nos presenta a Liborio, interpretado por Juan Daniel García Treviño, un joven mexicano que llega a Estados Unidos buscando una oportunidad para cambiar su destino. Sin embargo, el camino no será sencillo: enfrentará prejuicios, golpes, dificultades y una realidad que muchas veces parece empeñada en derrotarlo. Pero Liborio tiene algo que no se compra ni se consigue fácilmente: resiliencia.

Le pregunté a Jonás qué fue lo que lo atrapó de la novela de Aura Xilonen, en la que está basada la película, y qué buscaba conservar al llevarla a la pantalla. Su respuesta tiene mucho que ver con la esencia de esta historia: «Lo que me apasionó de la novela desde que la leí era lo divertida que es (…) lo esperanzadora que es su trama».

Y es que, aunque Liborio atraviesa circunstancias complicadas, el personaje no está construido únicamente desde el sufrimiento. Tiene humor, irreverencia, imaginación y una manera muy particular de enfrentar la adversidad. Jonás explica que una de las claves fue conservar esa personalidad durante todo el proceso cinematográfico: «Es una trama muy padre de alguien que, pues, no tiene nada, la vida se lo ha madreado, pero a partir de una resiliencia increíble como personaje (…) se para en alto y empieza a pelear por ellos».

Uno de los elementos más interesantes de Campeón Gabacho es la presencia de los libros. No aparecen como simples objetos de utilería, sino como herramientas que alimentan la imaginación, abren posibilidades y ayudan a construir un futuro. Durante nuestra charla le comenté a Jonás algo que me pareció especialmente significativo: la película coloca a la educación y a la lectura en un lugar fundamental. Liborio encuentra en los libros una manera de imaginar otros mundos y, posteriormente, comparte ese conocimiento con los niños de su comunidad mediante una pequeña biblioteca que comienza con apenas cuatro ejemplares y va creciendo.

Porque sí, en una época en la que pareciera que todo se resuelve con un video de quince segundos, encontrarnos con una película que reivindica el valor de la lectura resulta refrescante.

Le pregunté qué importancia tenía este elemento en la historia y su respuesta fue contundente: «La novela y la película enseñan esta imaginación que tiene Liborio». Para Cuarón, los libros nutren la imaginación del protagonista, pero también permiten descubrir su dimensión humana. «Liborio es como toda persona, un poeta que se enamora, que tiene sueños, que tiene ilusiones».

Y aquí hay una reflexión que vale la pena llevarnos a casa: la educación no solamente sirve para aprender datos o aprobar exámenes; también nos permite imaginar posibilidades que antes parecían imposibles.

Otro de los grandes aciertos de la película es mostrar que nadie sale adelante completamente solo. En su recorrido, Liborio encuentra una comunidad que lo recibe, lo acompaña y le ofrece algo que quizá había buscado durante mucho tiempo: un lugar al cual pertenecer.

En la historia participan figuras fundamentales interpretadas por Rubén Blades y Dolores Heredia, quienes representan esa red de apoyo que transforma la vida del protagonista. Sobre este punto, Jonás me compartió una de las ideas más conmovedoras de la película: la comunidad no solamente ayuda a Liborio, también encuentra en él una inspiración.

«No está peleando solo, está peleando con todo el apoyo de una comunidad», explica. Y agrega una reflexión que resume buena parte del espíritu de la cinta: Liborio termina convirtiéndose en un símbolo para quienes también han recibido golpes de la vida.

Hay una frase que destaca en la historia y que funciona casi como una lección para cualquier persona que esté atravesando una dificultad: «Estás peleando por todo aquel que ha sido golpeado por la vida».

¡Qué poderosa manera de entender la solidaridad! A veces creemos que salir adelante es una tarea individual, pero basta mirar alrededor para descubrir que nuestros logros también están construidos con el apoyo de quienes nos tendieron la mano cuando más lo necesitábamos.

Como cineasta, Jonás Cuarón enfrenta un desafío que va más allá de contar una buena historia: conseguir que el espectador conecte emocionalmente con sus personajes y, después, se cuestione aquello que quizá daba por hecho. Le planteé qué consideraba más difícil: emocionar al público o conseguir que, después de ver una película, reflexione sobre algún tema.

Su respuesta fue muy clara: «Creo que no se puede lograr nada si no logras generar esa emoción primero». Una declaración que explica buena parte de su apuesta cinematográfica. Para Jonás, antes de transmitir un mensaje es necesario construir una conexión con el espectador. Por eso Campeón Gabacho apuesta por el humor, el romance, la aventura y una buena dosis de emociones. No quiere ser una película que únicamente hable de migración, sino una que nos permita conocer a las personas que viven esa experiencia.

Y eso importa mucho en tiempos en los que el discurso político suele reducir a los migrantes a cifras, fronteras y estadísticas. Sobre el mensaje que espera dejar en quienes vean la película, Jonás lo expresa de una manera que merece subrayarse: «Demuestra mucha humanidad y que ser migrante no es solo ser un número, sino que tienes una identidad».

Incluso destaca que las personas migrantes aportan riqueza cultural a las comunidades que las reciben, algo que frecuentemente queda fuera de las conversaciones dominadas por el miedo y los prejuicios.

Llegamos a una de las preguntas que más me interesaba hacerle. En este espacio nos lee una audiencia diversa, particularmente jóvenes que enfrentan sus propios retos. Por eso quise llevar la conversación más allá del cine. Le pregunté qué le diría a quienes sienten que ya recibieron el knockout, que están en el suelo y que la vida prácticamente les está contando los últimos segundos.

También le pregunté si alguna vez había experimentado esos momentos en los que parece que todo está en contra. Su respuesta fue personal y reveladora. Jonás habló de sus hijos y de cómo ellos representan una motivación fundamental cuando aparecen los obstáculos.

«En cualquier momento que la vida me llega a estresar, que llega algo a ser un gran obstáculo, pues yo (…) no hay nada más que con esa emoción de Liborio de seguir adelante, pues de ver que lo tienes que hacer por ellos».

No necesitó una fórmula mágica ni una frase motivacional de calendario. Habló de algo mucho más profundo: encontrar motivos para continuar, recordar a quienes dependen de nosotros y entender que nuestra lucha puede tener un significado que va más allá de lo individual.

Porque levantarse no siempre significa que uno sea invencible; a veces significa que todavía hay alguien por quien vale la pena intentarlo.

Campeón Gabacho, escrita y dirigida por Jonás Cuarón, con guion de Aura Xilonen y el propio director, está protagonizada por Juan Daniel García Treviño, Leslie Grace, Rubén Blades, Eddie Marsan, Rosario Dawson y Dolores Heredia. La producción cuenta además con una propuesta musical que reúne canciones e interpretaciones de artistas como Maluma, Alemán, Santa Fe Klan, Anitta, Grupo Frontera, Los Tigres del Norte y Rawayana, entre otros.

Después de conversar con Jonás Cuarón queda claro que Campeón Gabacho no es solamente una historia sobre migración o boxeo. Es una invitación a mirar al otro sin prejuicios, a reconocer el valor de la educación, a entender la importancia de la comunidad y, sobre todo, a no perder la capacidad de levantarnos.

Me quedo con una idea que atraviesa toda la conversación: todos, en algún momento, hemos sentido que la vida nos ha puesto contra las cuerdas. Algunos hemos tenido la fortuna de encontrar una mano que nos ayude a levantarnos; otros todavía están buscando esa comunidad que les recuerde que no están solos.

Y quizá ese sea el verdadero campeonato que tenemos que ganar: no dejar de luchar, pero tampoco olvidar que hay otras personas peleando a nuestro lado. Porque, como nos recuerda esta historia, la vida puede golpearte muchas veces, pero no tiene por qué definirte el último golpe.

¡No se pierdan Campeón Gabacho?

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