El Confesionario
Por Ray Zubiri

Platiqué con el músico, compositor, actor y multiinstrumentista Andrés Penella, quien recientemente regresó a los escenarios teatrales con Un tranvía llamado Deseo, al lado de la reconocida actriz Marina de Tavira, además de haber musicalizado el éxito de Netflix La celda de los milagros, protagonizado por Omar Chaparro, producción que alcanzó el Top 10 de Netflix Global, incluyendo a México, Estados Unidos y diversos países de Latinoamérica.

—Oye, ¿cómo se estudia?, ¿cómo se le hace para ir creando música para obras de teatro?, ¿qué es lo que tú has hecho, entre otras cosas?

—Pues yo creo que existen distintos caminos, pero, bueno, te cuento un poco del mío. Yo decidí dedicarme a la música desde que era bastante chico.

Desde niño estuve en varios talleres de teatro junto con mi hermana María, que es actriz, y en alguno de esos talleres me invitaron a audicionar para la producción de 2002 de Los Miserables, en donde terminé interpretando al pequeño Gavroche. Ahí recuerdo que me metí a la orquesta para ver al maestro Isaac Saúl dirigir, y eso me cautivó muchísimo.

Entonces, desde ese momento tuve claro que quería dedicarme a la música. Tenía diez años y empecé a estudiar desde muy pequeño.

Comencé a tomar clases de piano a los cinco años y fui aprendiendo diversos instrumentos conforme crecí. Eventualmente estudié en Berklee College of Music, en Boston. Ahí, mi instrumento principal era el bajo y cursé las carreras de composición y música para cine, disciplina que también me apasiona mucho, no solamente el teatro.

En mi caso, ha sido una mezcla de cosas que he aprendido por mi cuenta, además de los estudios universitarios y, posteriormente, de la carrera profesional. Los cortometrajes, las películas en las que he trabajado y las obras de teatro van nutriendo y formando tu conocimiento musical.

—¿Cómo se construye la música para una obra de teatro? ¿Cómo es este proceso para que se vea tan bonito en el escenario?

—Varía mucho. Definitivamente, para una obra de teatro es distinto que para una película, porque no puedes ver la obra antes de que esté hecha, mientras que con una película o una serie el material ya está armado y el compositor llega durante la posproducción.

En el caso de Un tranvía llamado Deseo, lo primero es leer el texto de Tennessee Williams. Creo que esta es la séptima colaboración que hago con Diego del Río y nuestra quinta obra juntos.

Lo primero siempre es analizar el texto. En esta obra hay muchísimas referencias musicales: Blue Piano, Hot Trumpet… La música de Nueva Orleans de aquella época está muy presente, y el trabajo consistió en decidir cuándo seguir las indicaciones musicales originales y cuándo crear algo completamente nuevo.

La obra tiene una particularidad: existe una pieza recurrente llamada «La Varsoviana», un vals de Varsovia que está constantemente presente en la mente del personaje principal, Blanche DuBois. Desde el principio, una de las primeras cosas que compuse fue mi propia versión de esa pieza.

La escribí en compás de tres cuartos, con ritmo y tempo de vals, pero con mi propia interpretación, a diferencia de la película Un tranvía llamado Deseo, protagonizada por Marlon Brando, donde, si no me equivoco, utilizan una versión tradicional preexistente.

Le envié esa composición a Diego del Río, el director. Recuerdo que, por aquellas fechas, estaba en la playa con mi padre y compuse un cuarteto vocal de jazz en una servilleta. Otras piezas surgieron más adelante, incluso después de algunos ensayos.

Ha sido un proceso muy orgánico. Las composiciones van apareciendo en distintos momentos y es muy diferente a lo que sucede en el cine, donde todo está más esquematizado y los tiempos son mucho más limitados.

—¿Qué diferencia existe entre musicalizar una obra de teatro, una película y una serie?

—Una de las principales diferencias tiene que ver con el tiempo. En el cine, los plazos suelen ser mucho más apretados. Para La celda de los milagros, por ejemplo, compuse aproximadamente una hora de música en apenas tres semanas.

En el teatro, por lo general, se necesita menos música y el ritmo de composición es más relajado. Además, existen menos convenciones preestablecidas, lo que permite explorar distintos géneros, instrumentaciones, ritmos y melodías.

En ambos casos, el compositor está al servicio de la historia. La gran diferencia es que, en el cine, la música suele ser más discreta, mientras que en el teatro tiene una presencia más evidente.

—Ganaste el Premio Metro 2024 a Mejor Composición Musical Original para una obra de teatro. ¿Qué se siente?

—Es increíble. Es un honor y un orgullo formar parte de ese círculo de creadores teatrales. Sin embargo, trato de concentrarme en lo cotidiano: trabajar, esforzarme y servir a la historia que estamos contando.

—¿Qué papel juega el silencio dentro de la puesta en escena?

—El silencio es una parte fundamental del arte y de la música. Así como en una pintura existen espacios vacíos, en la música también es indispensable saber cuándo detenerse.

No puedes tener música de principio a fin. El silencio genera contrastes muy poderosos y, muchas veces, puede provocar un impacto tan fuerte como el acorde más intenso.

En Un tranvía llamado Deseo existen escenas en las que utilizamos deliberadamente el silencio para aumentar la tensión dramática entre Stanley y Blanche.

—¿Cómo ha evolucionado tu manera de componer a lo largo de los años, sobre todo considerando la tecnología?

—La tecnología siempre ha sido parte de mi proceso creativo. Desde muy joven utilicé programas como Sibelius para practicar la musicalización de escenas.

Posteriormente, durante mis estudios en Berklee, aprendí a trabajar con plataformas profesionales como Digital Performer, Pro Tools y Logic, además de bibliotecas virtuales de instrumentos.

Gracias a ello, el sonido que hoy puedo conseguir es mucho más realista y sofisticado.

En el teatro, algunas obras han utilizado música pregrabada, mientras que otras han apostado completamente por la interpretación en vivo. Lo que sigue evolucionando constantemente es la parte creativa: descubrir nuevos acordes, nuevas emociones y nuevas posibilidades narrativas.

—¿Qué te ha enseñado el teatro que ningún otro ámbito artístico podría haberte enseñado?

—La importancia de la conexión humana. Antes de cada función nos reunimos, nos tomamos de las manos y nos miramos a los ojos.

Ese nivel de conexión no ocurre cuando compones solo frente a una computadora o cuando trabajas en música para cine. El teatro tiene algo profundamente humano.

La vida del compositor suele ser muy solitaria, pero el escenario te obliga a estar presente, vivo y completamente entregado a la ficción.

Paralelamente a su trabajo escénico, Andrés Penella continúa consolidando una sólida carrera como compositor para cine y plataformas internacionales.

Asimismo, participó en la música adicional de Sobriedad me estás matando, ópera prima de Raúl Campos distribuida por Cinépolis Distribución, y colaboró en la película internacional Black Demon, protagonizada por Josh Lucas, realizando composición de música adicional, orquestación, edición musical, dirección de grabación y creación de partituras junto a Jacobo Lieberman y Leo Heiblum.

Entre sus próximos proyectos destaca también la composición musical de Toda el agua del mundo, nueva película del director Diego del Río protagonizada por Diana Bracho, donde Andrés no solo compondrá la música original, sino que también participará como actor interpretándose a sí mismo en una historia profundamente ligada a la música y la memoria emocional.

Con una sensibilidad que cruza el cine, la escena teatral y la composición contemporánea, Andrés Penella se consolida como un creador integral capaz de transformar la música en narrativa emocional, construyendo puentes entre la dramaturgia, el diseño sonoro y la experiencia cinematográfica.

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El Confesionario

Por Ray Zubiri

En ediciones anteriores he tenido la oportunidad de transmitir desde Guanajuato mi programa de radio y, de verdad, es un deleite estar ahí. El tiempo se vuelve un enemigo a vencer ante la gran diversidad de eventos que se presentan, todos ellos imperdibles. Espero que este año pueda estar nuevamente por allá para contarles todo lo que sucede y, del mismo modo, entrevistar a las personalidades que nos visitan y que convierten a Guanajuato en el escenario más grande de América Latina durante la 54.ª edición del Festival Internacional Cervantino, que se llevará a cabo del 3 al 18 de octubre de 2026.

20 estados, 29 países y Francia como país invitado en el marco de los 200 años de las relaciones bilaterales México–Francia, a través de la Embajada.

212 funciones de música, danza, teatro, ópera, performance, cine y artes visuales y 2,746 artistas.

En la presentación de la cartelera de este año estuvo la secretaria de Cultura del Gobierno de México, Claudia Curiel de Icaza; la embajadora de Francia en México, Excma. Sra. Delphine Borione; la secretaria de Cultura del Gobierno de Guanajuato, Lizeth Galván Cortés, en representación de la gobernadora Libia Dennise García Muñoz Ledo, y la directora general de Circuitos y Festivales de la Secretaría de Cultura del Gobierno de México, Valeria Palomino de las Casas.

Curiel de Icaza, en este encuentro con medios de comunicación señaló que, “en conjunto, la 54.a edición del Festival Internacional Cervantino reafirma su papel como una de las plataformas culturales más relevantes de América Latina, al articular una programación que integra calidad artística, diversidad nacional y diálogo internacional. La convergencia entre creadores, instituciones y países invitados consolida un espacio de encuentro donde tradición y contemporaneidad dialogan, fortaleciendo la circulación artística, la cooperación cultural y la proyección global de las artes escénicas y musicales”.

Esta edición trasciende la figura del estado invitado para ofrecer una representación más amplia de la pluralidad artística nacional, con 35 presentaciones de 20 entidades del país. La programación nacional reúne propuestas que dialogan entre tradición y creación contemporánea, desde el tenor sonorense Arturo Chacón con Homenaje con el Mariachi Gama 1000 a José Alfredo Jiménez, hasta el Cuarteto de Mario Nandayapa con México a través de la marimba (Chiapas); mientras que, desde Sinaloa, el Safa Ensamble de Percusiones interpreta Pléïades, de Iannis Xenakis.

Michoacán participa con Noche michoacana; Nuevo León con la cantante Renee y su proyecto Lado B; Oaxaca con Natalia Cruz y La Istmeña; y Yucatán con la Orquesta Típica Yukalpetén y su Gala Yucateca. De la Ciudad de México se presenta Entre Pancho Villa y una mujer desnuda, de Sabina Berman, una obra que, desde su vocación de llevar el teatro a la gente, cumple 30 años de presentarse en espacios públicos como plazas y parques, alcanzando a más de 50,000 asistentes, mientras que Baja California participa con Jackie Mendoza, Lorelle Meets the Obsolete y Silent.

Completan la programación nacional Aguascalientes, Coahuila, Estado de México, Ciudad de México, Guanajuato, Guerrero, Hidalgo, Jalisco, Querétaro, Quintana Roo, Sonora, Tabasco y Tamaulipas, que enriquecen la diversidad de esta edición con propuestas de distintas disciplinas y lenguajes artísticos.

Por su parte, Guanajuato, como estado anfitrión, presenta una programación que reafirma su vocación como epicentro cultural del Festival. Destacan Delay, de Physical Momentum, dirigida por Francisco Córdova; Levante y Alisio, encabezado por la clarinetista guanajuatense Angélica Retana Ramos junto al músico francés Philippe Cuper y la Banda de Música del Estado de Guanajuato; los Recorridos literarios, de Amaranta Caballero; y una destacada programación de artes visuales con exposiciones dedicadas a Luis Nishizawa.

El INABAL realiza un despliegue central con la ópera Tosca, de Giacomo Puccini, a cargo de la Compañía Nacional de Ópera, con la participación del tenor Arturo Chacón, en una producción de gran formato. Asimismo, la Compañía Nacional de Teatro presenta Misantropías, de Héctor Mendoza, bajo la dirección de Luis de Tavira.

En el ámbito coral, el Coro de Madrigalistas de Bellas Artes presenta Voces que atraviesan el silencio. Asimismo, la Coordinación Nacional de Música y Ópera impulsa la creación contemporánea con el estreno de cinco comisiones de obra de compositoras y compositores latinoamericanos, interpretadas por el Cuarteto de Bellas Artes junto al clarinetista Manuel Hernández.

En coproducciones destaca el trabajo del Estudio de Ópera de Bellas Artes y la Orquesta Juvenil Eduardo Mata (UNAM) con Adriana Mater, de Kaija Saariaho, articulando formación y profesionalización artística. En el marco del 90 aniversario de la UNAM, la Orquesta Filarmónica de la UNAM se presenta con el pianista Lukas Geniušas.

En danza y creación interdisciplinaria destaca HORDE + Ballet de Marsella x RONE versión México, con Room With a View (Francia–México), coproducción realizada con el apoyo de EFIARTES.

Finalmente, en el cruce entre cine y música sinfónica se presenta La bella y la bestia, de Jean Cocteau, con música de Philip Glass, interpretada por la Orquesta Sinfónica de la Universidad de Guanajuato.

PROGRAMA INTERNACIONAL

La presencia internacional congrega a 29 países, con una programación que cruza música, danza, teatro, performance y creación contemporánea.

El Festival se inaugura con Mike Patton y su proyecto Mondo Cane (EUA–Italia–México), figura clave del experimentalismo vocal que reinterpreta repertorio italiano con enfoque orquestal contemporáneo. En el repertorio clásico destacan la Camerata de Salzburgo, referente de excelencia camerística europea, y la violinista María Dueñas, una de las intérpretes jóvenes más destacadas del circuito internacional.

En música contemporánea sobresale el Ensemble Modern (Alemania), ensamble de referencia mundial en creación con compositores vivos. En artes escénicas participa la Compañía Antonio Gades con Carmen (España), pieza fundamental del canon del flamenco teatralizado del siglo XX. En creación escénica contemporánea se suma la coreógrafa Tamara Cubas (Uruguay) con Sea of Silence.

Desde la relectura de mitos clásicos, Sardegna Teatro presenta El canto de Edipo (Italia), con un enfoque contemporáneo centrado en la corporalidad escénica. En piano contemporáneo, Kotaro Fukuma interpreta Viaje sobre agua (Japón), reconocido por su sensibilidad en repertorio contemporáneo y exploratorio.

En performance destaca Julian Sartorius con RLLRLRLLRRLRLRLRLLRLRLR (Suiza–Guanajuato), referente de la percusión experimental como lenguaje escénico. En danza contemporánea participa Bangarra Dance Theatre con FuturesPast (Australia), compañía clave en la articulación de memoria indígena y creación contemporánea.

En música popular, Grupo Niche (Colombia), emblema de la salsa a nivel global, y la Dabeull Live Band (Francia), referente del funk retrofuturista contemporáneo, cierran el programa.

Como país invitado, Francia ha programado diversas actividades entre las que destacan Les Métaboles, referente coral contemporáneo; el Ensemble Pygmalion, especializado en interpretación históricamente informada; el creador escénico Mohamed El Khatib, reconocido por el cruce entre teatro documental y autobiografía; Leïla Ka y Chaillot Théâtre National de la Danse, referentes de la danza contemporánea europea.

Se suma el colectivo NOVAYA, así como Théo Mercier y François Chaignaud con Radio Vinci Park, y el Cuarteto Arod con Émilie Rousset en Asuntos familiares, propuestas que cruzan música, escena y creación interdisciplinaria. Finalmente, participan Argentina, Austria, Australia, Brasil, Canadá, Chile, Colombia, Corea del Sur, Cuba, Egipto, Finlandia, Gales, Guatemala, Indonesia, Japón, Lituania, Nigeria, Perú, Portugal, Reino Unido, Senegal, Suiza y Uruguay.

EVENTOS DESTACADOS

Mike Patton

Mondo Cane

De la urgencia expresivas de Urlo Negro, de The Blackmen, hasta la belleza inquietante de Senza Fine, de Gino Paoli, y la grandeza cinemática de Deep Down, de Ennio Morricone, el Mondo Cane de Patton es una propuesta rica, dramática y profundamente envolvente. Descrito por LA Weekly como “el verdadero disco pop de Patton que los fans han estado esperando”, Mondo Cane en vivo es la oportunidad para disfrutar la transformación de estas icónicas canciones sobre el escenario. Explanada de la Alhóndiga de Granaditas 3 de octubre | 19 h

Novaya, estudio creativo especializado en la creación de experiencias interactivas, presentará Noire, una instalación inmersiva de realidad aumentada basada en la historia de Claudette Colvin, joven afroamericana que desafió la segregación racial en 1955. Mediante tecnología HoloLens, la obra recupera la memoria de esta figura fundamental en la lucha por los derechos civiles. Del 3 de octubre / 11 h Sala Hermenegildo Bustos.

Bangarra Dance Theatre es una compañía de danza indígena australiana que, desde 1989, preserva y difunde relatos ancestrales a través de la danza y el canto. Reconocida internacionalmente por su trayectoria artística, ha recibido importantes distinciones, incluido el León de Oro a la Trayectoria en Danza 2026. Su obra FuturesPast aborda el impacto de la colonización sobre los pueblos originarios de Australia y celebra la resiliencia cultural que ha permitido la continuidad de sus tradiciones a lo largo de más de 65 mil años. 3 de octubre / 17 h, 4 de octubre / 12 h Auditorio del Estado

Ensemble Modern es un reconocido colectivo musical, fundado en 1980 en Fráncfort del Meno, que destaca por su versatilidad. El conjunto alemán regresa a México con un programa que explora la diversidad estética de la música contemporánea a través de obras que exploran microtonalidad, texturas delicadas, escritura virtuosa para conjuntos y enfoques performativos. 3 de octubre / 20:30 h Teatro Juárez

Tamara Cubas es una artista uruguaya cuya obra transita entre las artes escénicas, la performance y las artes visuales. A partir de las historias de siete mujeres migrantes de distintos continentes, la artista diseña Sea of Silence, propuesta en la que construye una experiencia escénica que entrelaza cantos, rituales y danzas para reflexionar sobre transformación y resistencia frente a la opresión. 7 y 8 de octubre / 18 h Teatro Principal

Busy P, Breakbot & Irfane y Yasmin

Busy P, fundador de Ed Banger Records y referente del house francés, comparte escenario con Breakbot & Irfane, dúo reconocido por fusionar funk, disco y soul con una sensibilidad electrónica distintiva. A ellos se suma Yasmin, artista y DJ cuya propuesta incorpora influencias del soul y ritmos globales. Juntos construyen una experiencia sonora que equilibra precisión, calidez y dinamismo, en la que convergen la tradición del French Touch y nuevas exploraciones musicales. 9 de octubre / 22 h Los Pastitos

Sardegna Teatro es el único Teatro de Interés Cultural de su región reconocido por el Ministerio de Cultura de Italia. Sus producciones han recibido importantes reconocimientos internacionales, entre ellos el Premio UBU por Macbettu. En El canto de Edipo, Alessandro Serra reinterpreta el mito de Edipo para el público contemporáneo, con el uso de la lengua grecánica como vía hacia un conocimiento colectivo perdido. 10 y 11 de octubre / 17 h Teatro Cervantes

Leïla Ka es una coreógrafa y bailarina francesa que se ha consolidado rápidamenteen la escena internacional de la danza contemporánea. En Maldonne, nominada al Premio Internacional de Danza de Sadler’s Wells, cinco intérpretes transforman vestidos en símbolos de identidad, memoria y feminidad. La pieza combina potencia visual y emocional para explorar la experiencia femenina. 10 de octubre / 18 h, 11 de octubre / 12 h Teatro Principal

La Compañía Antonio Gades, heredera del legado artístico del bailarín y coreógrafo Antonio Gades, es una de las principales exponentes de la danza española y flamenca contemporánea. En su presentación, comparte la primera versión al aire libre de Carmen, de Gades y Carlos Saura, como un retrato de una mujer libre y fiel a sí misma. El montaje es una reinterpretación del relato desde una mirada profundamente española. 10 de octubre / 19 h Explanada de la Alhóndiga de Granaditas

Camerata de Salzburgo con María Dueñas, fundada en 1952, es uno de los ensambles más reconocidos de Europa y referente del repertorio mozartiano. María Dueñas es una de las violinistas más sobresalientes de la actualidad. Ganadora del premio Opus Klassik como Joven Artista del Año, ha trabajado con algunas de las orquestas y directores más prestigiosos del mundo. Juntas, presentan un programa con obras de Mozart, Mendelssohn y Beethoven que destaca por el equilibrio entre la energía orquestal y el virtuosismo solista. 10 de octubre / 20:30 h Teatro Juárez

Jesse Baez es una de las figuras más representativas del R&B en español. Nacido en Chicago, Estados Unidos, y criado en Guatemala, desarrolló en Ciudad de México una propuesta musical que combina sonidos minimalistas, influencias del soul y letras marcadas por la vulnerabilidad emocional. El público podrá explorar las distintas etapas de su carrera, desde B.A.E.Z. hasta los proyectos HENRY y HENRY: Deuces. 10 de octubre / 22 h Los Pastitos

El Ensamble Pygmalion es un conjunto de coro y ensamble fundado en 2006 por Raphaël Pichon ampliamente reconocido por interpretar el repertorio clásico con instrumentos de época. El programa Mundo, buenas noches propone un recorrido espiritual desde la fragilidad hasta el consuelo con obras de la familia Bach y otros compositores alemanes marcados por la Guerra de los Treinta Años. 11 de octubre / 13 h Teatro Juárez

Arturo Chacón Cruz y Mariachi Gama 1000, ganador del concurso Operalia, es uno de los tenores mexicanos más destacados de la actualidad, con presencia en importantes escenarios como el Met de Nueva York, la Scala de Milán y el Teatro Real de Madrid.

El Mariachi Gama 1000 fue fundado en 1995 por Jesús Gama Pérez, siendo una de las agrupaciones más representativas de la música mexicana. En el marco del centenario del nacimiento de José Alfredo Jiménez, Chacón Cruz y Mariachi Gama 1000 recorren los clásicos del compositor que forman parte de la identidad musical de México. 15 de octubre / 19 h Explanada de la Alhóndiga de Granaditas

Grupo Niche es una de las agrupaciones más influyentes de la salsa latinoamericana. Ganadores de premios Grammy, alcanzaron reconocimiento internacional con éxitos como Sin sentimientos, Gotas de lluvia, Una aventura, Buenaventura y Caney y Cali Pachanguero. Con su gira Niche Disco Tour 2026, la agrupación colombiana llega a México para celebrar más de cuatro décadas de trayectoria a través de clásicos que mantienen viva la esencia, el sabor y la elegancia de la salsa. 17 de octubre / 19 h Explanada de la Alhóndiga de Granaditas

(LA)HORDE y Ballet de Marsella X RONE (LA)HORDE, colectivo francés que dirige el Ballet de Marsella, y RONE, compositor y productor galardonado con el Premio César 2021 a la Mejor Música Original, presentan Room With a View, una obra que integra danza contemporánea y música electrónica para reflexionar sobre la protesta y la resistencia. Esta versión surge de un intercambio artístico en el que bailarines mexicanos reinterpretan la pieza original bajo la dirección del equipo creativo francés. 17 de octubre / 20 h, 18 de octubre / 12 h Auditorio del Estado

Tosca, de Giacomo Puccini Bajo la dirección musical de Stefan Lano y con el montaje escénico de Luis Miguel Lombana, la Compañía Nacional de Ópera presenta Tosca, de Giacomo Puccini. La producción reafirma la sólida trayectoria de la compañía en el repertorio canónico, que ofrece una intensa visión del clásico ambientado en la Roma napoleónica, en la que el amor, la manipulación política y el sacrificio se entrelazan con gran fuerza dramática. 17 de octubre / 20:30 h Teatro Juárez

Dabeull Live Band acompañado de su estética de estrella de cine de los setenta y ochenta, gafas redondas y una devoción casi obsesiva por lo análogo, el músico francés tiene su misión clara: revivir la era dorada del funk y posicionarla una vez más como una música moderna. Señalado como un perfeccionista, Dabeull consigue su ritmo gracias a sintetizadores grabados en directo. El escenario de la Explanada de la Alhóndiga de Granaditas se transformará en una pista de baile irresistible. Explanada de la Alhóndiga de Granaditas Domingo 18 de octubre, 19 h

La programación del 54 FIC está disponible en: https://festivalcervantino.gob.mx/ ¡No se lo pierdan!

La columna de esta semana ha terminado pueden ir en paz.

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Entrevista con Jorge Gamboa cartelista diseñador y creador visual. Especializado en construcción de imágenes con herramientas digitales: fotografías, carteles e ilustraciones

Ha colaborado con National Geographic Magazine (USA), Greenpeace (Bélgica y España), ONU (Brasil), Hugo Boss (Alemania), Lowes Magazine (USA), Editorial Penguin Random House (España), Codice Edizioni (Italia), Studio K (República Checa), Udvliking Magazine (Dinamarca), University of Milano-Bicocca UNIMIB (Italia), Consejo Internacional/Nacional Cerrajero (México), entre otros.

Trayectoria
Seleccionado en Haapsalu Graphic Design Festival (Estonia, 2026), Gráfica Madrid (España, 2026), Bienal Internacional de Cartel de Oaxaca (México, 2021 y 2025), en la 7th Emirates International Poster Festival EIPF (Dubái, 2025), BI International Poster Art Biennale (Corea del Sur, 2021, 2023 y 2025), Bienal Internacional del Cartel BICeBé (Bolivia, 2017, 2019, 2021, 2023 y 2025) Dkavest VI (Indonesia, 2025), Exposición Americana (Italia, 2025), Contrapunto Museo Kaluz (México, 2025), 7th We Want Jazz Poster Competition (Polonia, 2025), Políticas de cohesión Tam-Tam Mestni Plakati (Eslovenia, 2025), Uruguay Cartel (2023 y 2025), International Poster Lublin (Polonia, 2023 y 2025), Posterist (Turquía, 2025), Bienal Internacional del Cartel BICM (México, 2018 y 2024), Ecos del Jazz Museo Kaluz (México, 2024), Colección que inspira, Museo Franz Mayer (México, 2024), 12 Seoul International Poster Triennale (Corea, 2024), IB intercontinental Bienal (Perú, 2023), Oripeau (2023, Canadá), Imagine Peace (2022, China), Narrativas y memorias (2022, México), Postales por Ayotzinapa (2022, Argentina), Equality International Poster Competition (2021, Polonia).